Mike Westbrook, der Ingenieur Der Brücken - Begegnung mit dem englischen Komponisten Mike Westbrook

Mike Westbrook
Mike Westbrook, Foto: Laurent Poiget

Es gibt stille Helden. Mike Westbrook ist einer von ihnen. Seit den frühen 70er Jahren bietet der englische Pianist, Komponist und Hornist eine elegante, reiche und intelligente Musik jenseits aller Moden und ausgetretenen Pfade, wobei er stets seine Frau Kate an seiner Seite hat. Westbrook ist ein leidenschaftlicher Theatergänger, der seiner Musik eine außergewöhnliche Theatralik verleiht. Er feiert dieses Jahr seinen 85. Geburtstag und scheint nie müde zu werden, denn er vervielfacht seine Projekte, seine Wünsche und seine Zusammenarbeit mit einer seltenen Gier.

Sie sind seit mehr als 50 Jahren in der Musikbranche tätig, was sind die schönsten Erinnerungen an all diese Jahre?

Ich hatte das Glück, zu reisen und in allen möglichen Situationen Musik zu machen, in verschiedenen Ländern zu spielen und mit wunderbaren Menschen zu arbeiten. Jeder Auftritt ist unvergesslich, nicht nur die 'großen Anlässe'. Die kleinen Auftritte in Jazzclubs sind genauso wichtig. Und für einen Jazzmusiker ist der denkwürdigste Auftritt immer der nächste. Von den vielen Höhepunkten hier ein Beispiel: 1983 spielten Phil Minton, Kate und ich mit Chris Biscoe, Chris Hunter und Tony Marsh die William Blake Songs in der Jazz Church, St Peters, in New York. Bei dieser Gelegenheit hatte ich die Gelegenheit, auf dem Steinway des verstorbenen Billy Strayhorn zu spielen. Unsere Reise fiel mit dem Jahrestag von Ellingtons Geburtstag, dem 29. April, zusammen. Mehrere Radiosender strahlten den ganzen Tag über Dukes Musik aus. Sie lief auch im Radio, als wir zum Tee bei Gil Evans vorbeikamen. Aus dieser Erfahrung heraus entstand meine Komposition On Duke's Birthday.

Wenn wir Ihre Orchester betrachten, können wir treue Musiker erkennen, Sie widmen Alben geschätzten Musikern, die verstorben sind, können wir davon ausgehen, dass Sie Ihre Kunst als eine Truppe betrachten, im Sinne des Theaters? Wir denken dabei insbesondere an Chris Biscoe, Pete Whyman oder Phil Minton, aber auch an Dominique Pifarély...

Die Kontinuität der Beziehungen zu den Musikern ist wesentlich. Aber die Musiker haben alle eigenständige Karrieren und sind nicht an jedem meiner Projekte beteiligt... Es gab eine Reihe von Bands, deren Besetzung je nach Musik variierte. Selten war es eine Standard-Jazz-Besetzung. Im Grunde genommen haben wir einen Pool von sympathischen Musikern aufgebaut, die mit uns in vielen verschiedenen Kombinationen zusammengearbeitet haben, vom Trio bis zur Big Band. Zu den regelmäßigen Partnern von Kate und mir gehören Phil Minton, Chris Biscoe, Pete Whyman, Alan Wakeman, Dominique Pifarély und in jüngerer Zeit Roz Harding, Billie Bottle, Marcus Vergette und Coach York.

Lassen Sie uns über Theater sprechen: Von The Cortège bis Mama Chicago ist Ihre Musik oft sehr szenisch, sogar opernhaft. Ist das Erzählen einer Geschichte in eurem kreativen Prozess wichtig? Nimmt Platterback in diesem Zusammenhang einen besonderen Platz ein?

Ich neige dazu, jede Aufführung sowohl als theatralische als auch als musikalische Erfahrung zu betrachten, auch wenn es kein zusammenhängendes Thema oder eine Geschichte gibt. Ich habe für Bühnenmusicals komponiert, insbesondere für Tyger, eine Hommage des Dichters Adrian Mitchell an William Blake, für die National Theatre Company im Jahr 1971. Gelegentlich auch für Fernsehen und Film. Kate und ich haben mehrere Opern und Theaterstücke sowie Jazz-Oratorien geschrieben, die Poesie, Musik und Spektakel miteinander verbinden. In den 1970er Jahren arbeitete ich viel im Bereich des alternativen Theaters und schrieb für alles, von groß angelegten Multimedia-Events über zirkusähnliche Shows bis hin zu Straßenmusik. Aus dieser Arbeit heraus entstand die Brass Band. Kate und ich begannen, themenbezogene Shows für die Brass Band zu schreiben. Wir benutzten den Begriff 'Jazz Cabaret', um lose Zusammenstellungen von unterschiedlichem Material zu beschreiben - Lieder, Poesie und Improvisation. Mit Mama Chicago begannen wir Mitte der 70er Jahre, mehr integrierte Shows zu schreiben, mit Originalmusik und -texten. Diese führten wir auf und gingen auf Tournee, in der Regel mit einer Band von fünf oder sechs Musikern, manchmal als Duo oder mit dem Trio, gelegentlich auch mit einem ganzen Orchester. An einigen Stücken sind Schauspieler beteiligt. Zu den vergangenen Produktionen gehören Platterback, eine Geschichte über fünf Personen auf einer Zugreise, The Serpent Hit, eine politische Fabel, Bar Utopia, ein Big-Band-Kabarett, Cuff Clout, Kates neuartige Music Hall, und das aktuelle Stück Paintbox Jane, das auf dem Maler Raoul Dufy basiert. Das Jazz-Kabarett bleibt eine bevorzugte Arbeitsweise. Derzeit führen wir mit Kate's Granite Band ihr umweltbezogenes Stück Earth Felt to the Wound auf. Mit dem Westbrook Quartet präsentieren wir Love Or Infatuation, ein Kabarett, das auf den Hollywood-Songs von Frederick Hollander basiert, und die Musik für die meisten Shows ist auf CD erhältlich.

Mike Westbrook
Mike Westbrook, Foto: Alessandro Eusebi

Wir haben heute das Gefühl, dass eine neue Generation Sie wiederentdeckt, insbesondere seit der Wiederveröffentlichung von The Cortège. Vor einiger Zeit haben Sie The Uncommon Orchestra mit jungen Musikern aufgenommen. Die Zeit scheint keinen Einfluss auf Ihre Musik zu haben, wie erklären Sie sich das?

Ich würde gerne glauben, dass unsere Musik ein jüngeres Publikum anspricht, aber ich bin mir nicht sicher, ob das der Fall ist! Es gibt Ableger des Jazz, die sehr populär werden können, aber Jazz ist nicht nur eine Unterhaltung, sondern auch eine ernsthafte Kunstform. Aber wenn man erst einmal süchtig geworden ist, will man tiefer in die Materie eindringen, und um den Jazz in seiner ganzen Bandbreite zu erleben, muss man sich ein Leben lang engagieren. Es stimmt jedoch, dass es heute viele junge Musiker gibt, die Jazz studieren und gerne spielen möchten. Ich bin in der glücklichen Lage, dass im Laufe der Jahre immer wieder neue Musiker in die Band gekommen sind, die Energie und frische Ideen einbringen. Das Uncommon Orchestra ist ein Beispiel dafür. Es begann vor zehn Jahren als gemeinschaftsbasiertes Projekt mit einer echten Mischung aus verschiedenen Generationen, von erfahrenen Veteranen bis hin zu Studenten und sogar Jugendlichen. Heute nimmt das Orchester Alben auf und spielt in großen Jazzlokalen.

Was halten Sie von der aktuellen britischen Szene?

Es ist keine leichte Zeit für die Künste. Der Jazz hat eher am Rande des kulturellen Spektrums existiert und schätzt kreative Freiheit und Unabhängigkeit. In den letzten Jahren sind die Zuschauerzahlen zurückgegangen. Jazzmusiker scheinen zwischen hoher Kunst und populärer Unterhaltung zu schweben. Eigentlich sollte es beides sein. Der Jazz ist anfällig für Kürzungen bei der Kulturförderung. Die Pandemie war eine Beinahe-Katastrophe für alle darstellenden Künste, und die durch den Brexit auferlegten Einschränkungen für Auslandsreisen sind eine Tragödie für viele von uns, deren Arbeit in Europa in vielerlei Hinsicht wichtiger war als die Arbeit im Vereinigten Königreich. Aber die Musiker lieben es, Jazz zu spielen, und es gibt ein Publikum dafür. Es gibt keinen Mangel an talentierten Musikern und Komponisten. Sie werden immer einen Platz zum Spielen finden. Nach der Pause von Covid ist es vielleicht an der Zeit, dass die Jazzmusiker ihr Schicksal selbst in die Hand nehmen, damit die Szene wieder von Künstlern geleitet wird und nicht der Mode und der Kommerzialisierung unterworfen ist. Ich glaube, dass Jazz die Musik der Hoffnung ist.

Sie waren schon immer ein Künstler außerhalb von Trends und Kategorien. Wie sehen Sie dennoch die 70er Jahre in Großbritannien und insbesondere die Canterbury-Szene, wo Sie Lindsay Cooper unter Ihren Musikern begrüßten?

Es war wohl der Wunsch nach freier Meinungsäußerung, der mich zum Jazz geführt hat. Ich wollte meinen eigenen Weg finden, meine eigenen Fehler machen und mich keiner Orthodoxie unterwerfen. Da ich Autodidakt bin, musste ich alles nach und nach lernen. Es gab eine Herausforderung nach der anderen, und das geht immer noch so weiter. Meine Generation hatte das Glück, in einer Zeit aufzuwachsen, in der die sozialen und kulturellen Schranken fielen. Als Künstler hatte man den Raum, seine eigene Stimme zu finden. Originalität und Innovation waren angesagt. Ich wollte nie in einem bestimmten Stil gefangen sein. Ich war nie ein Fan der Canterbury-Schule und des selbsternannten "Progressive Rock", obwohl ich weiß, dass sie eine große Anhängerschaft haben. Ich fand das, was unter meinen Zeitgenossen in der Jazzszene passierte, spannender. The Orckestra (sic) mit der Brass Band, Henry Cow und Frankie Armstrong war jedoch eine interessante Zusammenarbeit, mehr politisch und sozial als musikalisch, obwohl wir einige Gemeinsamkeiten fanden. Das Schreiben von Arrangements für das Ensemble, mein erstes Mal für Cello und Fagott, brachte mich wieder dazu, in größerem Rahmen zu schreiben. Als Kate und ich The Cortège schrieben, baten wir Georgie Born und Lindsay Cooper, sich daran zu beteiligen.

Ihre Frau Kate Westbrook spielt eine wichtige Rolle in Ihrer Musik, die auch zu zahlreichen Ausflügen in die Poesie führt. Wie ist Ihr Verhältnis zur Literatur?

Als wir uns Anfang der 70er Jahre kennenlernten, unterrichtete die Malerin Kate Westbrook in Teilzeit an der Leeds Colege of Art, die damals an der Spitze der avantgardistischen Theater- und Performancekunst stand. Ich hatte meinen Tagesjob aufgegeben, um Vollzeitmusiker zu werden. Ich hatte keine feste Band und arbeitete hauptsächlich mit alternativen Theatergruppen zusammen, vor allem mit der Gruppe Welfare State aus Keeds, an der auch Kate beteiligt war. Als wir beschlossen, zusammen zu leben und zu arbeiten, brauchten wir eine neue Richtung für die Musik, obwohl wir schon ziemlich etabliert waren, Kate als Malerin und ich als Komponist. Diese kam unerwartet von Street Music: die Ablehnung von Big Bands, Rockgruppen und einer restriktiven Jazzszene zugunsten des Musikmachens in seiner einfachsten Form - eine kleine akustische Gruppe, die spielt, was immer ihre Mitglieder spielen wollen, wo immer sie darum gebeten werden. Mit zwei Sängern in der Gruppe waren immer Lieder im Repertoire, vor allem Vertonungen von Blake und Theaterlieder von Brecht/Weill. Mit Mama Chicago begannen Kate und ich dann, eigene Stücke für die Band zu schreiben, wie in Nr. 3 oben beschrieben. Mama Chicago hatte seine französische Erstaufführung auf dem Festival von Angoulême. Die Band begann, im Ausland zu touren, vor allem in Europa, und bildete 1979 den Kern des Orchesters, das The Cortège aufführte, ein Werk mit Vertonungen europäischer Poesie, gesungen in den Originalsprachen. Die Gedichte dieser und ähnlicher "europäischer" Kompositionen wurden von Kate ausgewählt. Ihr Wissen über Literatur war entscheidend, ebenso wie ihre eigenen Texte und ihr Interesse, in den Sprachen der Länder zu singen, in denen wir auftraten. Wir wurden zu Songwriter-Kollaborateuren. Im Laufe der Jahrzehnte haben wir eine Vielzahl von Musik für Gesang geschaffen, von Kabarettliedern bis hin zur Oper.

Duke Ellington ist ein Schlüsselmusiker in Ihrer Diskografie, so auch in Ihren verschiedenen Interpretationen von IDMAT. Wie ist Ihre Beziehung zu Ellington? Und ganz allgemein, was sind Ihre wichtigsten musikalischen Einflüsse?

Mein Vater hat mich als Teenager mit Ellington bekannt gemacht, und eine 10-Inch-LP von Dukes Band aus den 1940er Jahren war viele Jahre lang meine Bibel. Ich habe sie immer noch, sehr abgenutzt und zerkratzt. Das war der Beginn einer Entdeckung der gesamten Geschichte des Jazz, die meine Hauptinspiration war. Zuerst versuchte ich zu kopieren, was ich hörte, aber als ich mein eigenes Ding machte, wurde die Musik von Duke, Strayhorn und anderen in meinen musikalischen Blutkreislauf aufgenommen, anstatt ein direkter Einfluss zu sein. Diese Präsenz war immer da, aber ich habe Ellington-Material nur selten gespielt und seine Methoden nicht bewusst studiert. Ich bin einfach ein Fan. Im Laufe der Jahre hat sich mein musikalischer Horizont erweitert. Ich bin mir der westlichen klassischen Tradition stärker bewusst geworden. Besonders wichtig ist mir die Klaviermusik, von Chopin über Debussy und Ravel bis hin zu Satie, den ich besonders mag. Das Klavier ist für mich eine Brücke zu allen Arten von Musik. Auch Theatermusik ist für mich wichtig. Strawinskys Soldiers Tale hatte einen großen Einfluss, ebenso wie die Werke von Brecht und Weill, Cole Porter und anderen Broadway-Komponisten, und aktuell die Hollywood-Musik von Frederick Hollander.

Sie haben Ende der 80er Jahre Ihre eigene Version des Abbey Road-Albums der Beatles aufgenommen. Können Sie den Prozess erklären? Wie eignen Sie sich die Musik von McCartney oder Lennon an, um sie zu Ihrer eigenen zu machen?

1988 veranstaltete ein Festival in Bologna eine Hommage an die Beatles. Ich wurde eingeladen, daran teilzunehmen. Ich hatte noch nie ihre Musik gespielt und besaß auch keine ihrer Platten. Ich hatte Sergeant Pepper gehört, und mir war klar, dass da etwas Wichtiges vor sich ging. Aber es war nicht Teil meiner Welt. Trotzdem beschloss ich, zu versuchen, etwas zu schreiben, und als wir mit dem Minibus durch Europa fuhren, kaufte ich an jeder Autobahnraststätte eine Beatles-Kassette. Ich erstellte eine Liste mit einigen der schönsten Balladen, die sich für eine Jazz-Interpretation eignen würden. Angesichts des unangenehmen Beispiels von Leuten wie Frank Sinatra und Ella Fitzgerald, die versuchten, diese Art von Material zu swingen, wurde mir jedoch klar, dass ich versuchen musste, das Idiom zu verstehen. Dann wachte ich eines Tages mit der Erkenntnis auf, dass ich eine Version des gesamten Abbey Road-Albums machen musste.

Mein erster Schritt war, eine Partitur von allem zu schreiben, was auf dem Album passiert. Dann arbeitete ich daran, wie an jedem anderen Material auch, und versuchte, meinen Weg hineinzufinden. Ich fand heraus, dass einige der Songs ihre ursprüngliche Struktur beibehalten mussten. Andere konnten erweitert werden, Themen wurden wiederholt, manchmal neu harmonisiert, und sie waren offen für Improvisationen. Immer, so hoffte ich, mit Rücksicht auf das Konzept der Beatles. Ich fügte der Partitur mehr und mehr Seiten hinzu. Die Bandbesetzung war eine Variante der Rossini-Band, mit der wir auf Tournee waren. Dann kam Phil Minton als Sänger zu Kate. Die Gitarre von Brian Godding wurde zum zentralen Element des Projekts. Die Tuba von Andy Grappy übernahm weiterhin die Rolle des Basses. Alan Wakeman und Pete Whyman bildeten die Saxophonabteilung, und der aus Liverpool stammende Peter Fairclough saß am Schlagzeug. Die ursprüngliche Abbey Road der Beatles war eine Studioproduktion. Ich glaube nicht, dass es jemals in seiner Gesamtheit live aufgeführt worden war. Bei der Aufführung entpuppte es sich als ein Kabarett über das zeitgenössische Leben, das der englischen Music Hall ebenso viel zu verdanken hatte wie dem Rock'n'Roll.

Mike Westbrook
Mike Westbrook, Foto: Laurent Poiget

Das sind Herausforderungen, die Sie mögen. Wir erinnern uns vor allem an ein ganzes Werk über Rossini. Macht es Spaß, mit dem Zwang zu arbeiten, auf bestehendes musikalisches Material zurückzugreifen und es zu transformieren, es zu formen?

Seit den Anfängen des Jazz haben Musiker Musik aus ihrer Umgebung genommen und sie in ihrem eigenen Stil neu erfunden. Diese Tradition setzt sich bis heute fort, und als Komponist finde ich die Arbeit mit vorhandenem Material ebenso wichtig wie die Schaffung von Originalkompositionen. Allerdings war ich nie ein Fan davon, die Klassiker zu verjazzen". Bis 1984, als wir den Auftrag erhielten, für ein Wilhelm-Tell-Festival in Lausanne zu schreiben, und Kate vorschlug, sich die Rossini-Oper anzusehen. Ich arrangierte die Ouvertüre für eine kleine Straßenkapelle. Die Arbeit an dieser Musik hat so viel Spaß gemacht, dass wir weitere Ouvertüren und Arien aus Rossini-Opern hinzugefügt haben. Wir tourten mit der Show mehrere Jahre lang. 1989 schrieb ich eine Bigband-Version für das NDR-Orchester. Dieses wiederum tourten wir mit meinem eigenen Orchester. 1992 war Big Band Rossini das erste Jazzwerk, das bei den BBC Proms in der Albert Hall in London aufgeführt wurde. Im Jahr 2017 hatten wir die große Ehre, das Stück im Teatro Rossini in Pesaro, der Geburtsstadt Rossinis, aufzuführen. Im Oktober dieses Jahres wurden wir gebeten, ein Rossini-Festival in einem neu restaurierten Opernhaus in Lugo zu eröffnen.

In den letzten Jahren haben wir Soloaufnahmen gehört, bei denen Sie das Klavier spielen? Ist die Herangehensweise anders als beim Schreiben für ein großes Orchester oder eine Blaskapelle? Sind Sie dabei mit demselben Gefühl bei der Sache?

Das Klavier ist das Herzstück von allem, was ich mache. Es ist ein Universum, voller Möglichkeiten. Es ist auch meine tägliche Werkbank. Alles, was ich schreibe, muss ich zuerst auf dem Klavier spielen. Auf der Bühne bin ich Bandpianist, Begleiter und gelegentlich auch Solist. Aber den größten Teil meines Klavierspiels mache ich hinter verschlossenen Türen, nur Kate hört es in ihrem Studio nebenan, oder wenn wir an einem neuen Song arbeiten. Im Jahr 2016 ermutigten mich Kate und unser großartiger Freund und Produzent, der verstorbene Jon Hiseman, ein Soloalbum aufzunehmen. Seitdem habe ich gelegentlich Solokonzerte gespielt. Grundsätzlich betrachte ich diese Auftritte als Teil des Kompositionsprozesses, improvisiere, schreibe Texte, experimentiere und arbeite die Voicings von Harmonien aus, die für Bläser, Saxophone oder Streicher orchestriert werden könnten, oder bleibe einfach auf dem Keyboard. Die Musik kann viele Formen annehmen, aber wie unterschiedlich sie auch erscheinen mögen, sie sind einfach Aspekte desselben kreativen Prozesses.

Zu Ihrem 85. Geburtstag haben wir viele Wiederveröffentlichungen, aber auch Videos gesehen, Sie sind auch auf Tournee, was sind Ihre Wünsche für die kommenden Jahre?

Die Szene hier hat sich noch nicht von der Pandemie erholt. Der Brexit ist eine Katastrophe, es droht eine Rezession, in anderen Teilen der Welt herrschen Hungersnöte, der Planet ist in Gefahr und überall ist die Demokratie bedroht. Und über allem schwebt der Alptraum des Krieges zwischen Russland und der Ukraine, der unvermindert andauert. Als Jazzmusiker ist es das Beste, weiter zu spielen, wo immer es Menschen gibt, die zuhören. In all dem Chaos klammern wir uns an den Glauben, in den Worten eines von Kates Texten für Paintbox Jane "Wahrheit, Hoffnung, Liebe machen zusammen Kunst, in einem Versuch ewige Jugend zu erlangen". Wir veröffentlichen gerade das Album Paintbox Jane, wir haben Konzerte mit Kates GRANITE BAND, Rossini Re-Loaded in Italien und ein neues Album mit einer Live-Aufführung von LONDON BRIDGE, einem groß angelegten "europäischen" Werk für Gesang, Jazzorchester und Kammerorchester, das 1987 in Amiens uraufgeführt wurde.

Das Interview wurde geführt von: Franpi Barriaux / Citizen Jazz
Foto: Laurent Poiget, Alessandro Eusebi

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