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Ayumi Tanaka - Space "odysea" - High Society 2022!

Artist: Ayumi Tanaka (piano/comp)
https://www.ayumitanakamusic.com/
Magazine: Jazznytt (NO)
Text: Anne Yven
Photos: Camilla Jensen, Helge Lien, Pernille Sandberg
https://jazznytt.jazzinorge.no/

Ayumi Tanaka zog vor zehn Jahren von Japan nach Norwegen. Vom aufstrebenden Klaviertalent ist sie inzwischen zu einer der erfolgreichsten Pianistinnen geworden. Im Oktober 2021 veröffentlichte das Trio, das sie mit dem Bassisten Christian Meaas Svendsen und dem Schlagzeuger Per Oddvar Johansen bildet, ihr erstes ECM-Album, Subaqueous Silence. Bereits im April 2021 hatte das Trio Thomas Strønen/Marthe Lea/Ayumi Tanaka mit Bayou eine weitere Sensation veröffentlicht.
Wenn man sich mit Fachleuten und Musikern über sie unterhält, sind sie sich einig über ihr unbestreitbares Talent, die Musik auf das Elementare zu reduzieren, ihre ästhetische Verwendung von Stille und Mysterium. Und wenn man sie auf der Bühne sieht, kann man kein anderes Wort verwenden als "fesselnd".

In diesem Exklusiv-Interview für das Jazznytt Magazine spricht sie über ihre Herkunft aus Japan und ihre musikalische Reise von der Liebe zu Orchestern zu einer noch greifbareren Beziehung zur Stille.

Ayumi Tanaka konnte praktisch schon Musik machen, bevor sie sprechen konnte. Sie begann im Alter von drei Jahren mit Musik. Warum so jung?

Ayumi Tanaka:
Meine Eltern sind keine Musiker, aber sie sind Musikliebhaber. Ich bin damit aufgewachsen, jeden Tag von morgens bis abends Musik zu hören. Klassik, moderne klassische Komponisten, und natürlich Jazz, japanische Jazzmusiker. Ich habe das Glück, dass ich als Kind viel gute Musik gehört habe. Meine Eltern schickten mich in die Yamaha-Musikschule, als ich 3 Jahre alt war, aber nicht, um aus mir eine Musikerin zu machen oder mich zu einer Karriere zu drängen, ganz und gar nicht. Sie wollten, dass ich eine sinnvolle Beschäftigung habe. Mein erstes Instrument war nicht das Klavier, sondern eine elektronische Orgel mit Fußpedalen. Ich wählte es, weil es mir erlaubte, alle Klänge der Orchester zu reproduzieren, die ich so sehr mochte - ein Kontrabass, Streicher, eine Geige oder eine Flöte, ich hatte großen Spaß daran, all diese Klänge zu reproduzieren!

Die japanische Musikausbildung ist bekanntlich sehr wettbewerbsorientiert, und Tanaka arbeitete auf Musikwettbewerbe hin, was einen enormen Einfluss auf die Entwicklung ihrer Fähigkeiten und ihrer Technik hatte.

Ayumi Tanaka:
Ich glaube nicht, dass ich etwas Besonderes war oder mehr Talent hatte als andere. Ich habe mich weiterentwickelt, weil ich die ganze Zeit gespielt habe. Wettbewerbe werden nicht erzwungen, man sieht sie einfach als eine Möglichkeit, sich zu verbessern. Ich habe diese Wettbewerbe nicht ernst genommen; ich habe nicht einmal etwas gewonnen, bis ich 10 war. Damals musste man der Jury ein Repertoirestück und eine Komposition vorspielen. Das habe ich bis zu meinem Abschluss im Alter von 18 Jahren gemacht. Es war sehr intensiv, ja. Aber die meiste Inspiration holte ich mir vom Zuhören, von den anderen Kindern, den Studenten um mich herum. Sie haben alle so viel gearbeitet! Originalmusik, komponiert von Kindern in meinem Alter. Das ist schon etwas Besonderes, wenn man genau hinhört.

Als ob das Musizieren nur eine Möglichkeit wäre, mit den Menschen um einen herum zu interagieren.

Ayumi Tanaka:
In diesen Jahren hörte ich den anderen Kindern die ganze Zeit zu. Ich musste mich in ihre Lage versetzen und versuchen zu raten. "Spielen sie, um den Raum mit Noten zu füllen, oder richten sie ihre Musik an bestimmte Personen? "Ich glaube, so habe ich gelernt, den Raum mit anderen Musikern zu teilen.

Ayumi Tanaka
Ayumi Tanaka, Foto: Camilla Jensen

Die Idee des RAUMs ist für Tanaka ein grundlegender Aspekt der Musik. Wenn wir sagen, dass sie die Aufmerksamkeit auf sich zieht, meinen wir damit, dass sie buchstäblich die Energie um sich herum aufsaugt. Das ist in der Musik der Bands, in denen sie mitspielt, spürbar - in "Time Is A Blind Guide" mit Thomas Strønen oder mit Christian Meaas Svendsen im Nakama Quintet "isst sie den Raum". Was ist die Quelle dieser Magie?

Ayumi Tanaka:
Ich spielte immer noch elektrische Orgel, als ich endlich mein Abitur machte. Ich war 18 und hatte langsam genug von diesem Instrument. Nach dem Abitur hörte ich ein Jahr lang auf zu spielen.

Aber bald brauchte ich Geld. Der erste Job, den ich fand, war das Klavierspielen auf Hochzeiten. Das war mein Nebenjob während des Studiums, und ich fühlte mich gut dabei, denn es war nur Hintergrundmusik! Ausnahmsweise schenkte mir mal niemand Aufmerksamkeit! (Sie lacht) Damals verliebte ich mich in den Klang des akustischen Klaviers und begann zu überlegen, wie ich meinen eigenen Sound entwickeln könnte.

Also trat ich in Pianobars auf. Manchmal spielte ich nonstop von 21.00 bis 1.00 Uhr nachts. Auch hier handelte es sich nur um Hintergrundmusik oder um Stücke, um die mich die Kunden baten, Standards oder Melodien.

In einem Alter, in dem die meisten jungen Musiker davon träumen, im Rampenlicht zu stehen und anerkannt zu werden, blühte und gedieh Tanaka im Verborgenen. Sie beschloss, eine Situation, die manche als "schwierig" bezeichnen würden, in eine Gelegenheit zu verwandeln, neue Ansätze zu entdecken und ihren kreativen Prozess zu bereichern.

Ayumi Tanaka:
Danach habe ich mich mehr darauf konzentriert, einen eigenen Klangraum zu schaffen. Ich erinnere mich, dass ich es als Kind liebte, in Klänge aus verschiedenen Quellen einzutauchen. Ich liebte es, von Meeres- und Berggeräuschen umgeben zu sein, dem Wind in den Bäumen und den Flüssen zu lauschen. All diese Klänge konnte ich reproduzieren und sie in meiner Musik in Schichten anordnen.

Der Klang der Natur ist in ihrer Musik allgegenwärtig. Aber er wird nicht reproduziert, er wird eher suggeriert als imitiert. Auf diese Weise ist er stärker.

Ayumi Tanaka:
Ich wünschte, ich könnte den Klang der Natur spielen. Wie schön die Natur doch ist. Wie jeder Klang in der Natur wesentlich ist. Ich glaube wirklich, dass ich mit meiner Musik versuche, von der Natur zu lernen.

Als ich ihr Trio im September im Osloer Kafé Hærverk spielen hörte, erinnere ich mich, dass ich meinen Nachbarn an der Bar ansah, weil einer der Lüftungsschächte Geräusche machte, kurz bevor sie anfingen zu spielen. Nach ein paar Minuten war es so, als wäre das störende Geräusch schon immer ein Teil der Musik gewesen und poetisch in den Klaviertasten aufgegangen.

Ayumi Tanaka:
Jedes Mal, wenn ich ein Konzert gebe, achte ich auf die Stille vor der Musik und in der Musik. So etwas wie Stille gibt es nicht. Sie existiert nicht. Der Raum besitzt bereits seinen eigenen Klang und seine eigene Energie. Es wird immer einige Störgeräusche geben, andere Quellen in der klanglichen Umgebung. Es ist besser, sie zu akzeptieren und zu nutzen. Ich glaube, je mehr man übt, desto besser wird man in der Lage sein, Umgebungsgeräusche auszublenden oder, im Gegenteil, sie in die Musik einzubeziehen. Ich mache beides gerne.

2013 gründete sie ein Trio mit Christian Meaas Svendsen (Bass) und Per Oddvar Johansen (Schlagzeug). Sie veröffentlichten 2016 ihr Debütalbum "Memento" auf dem Label AMP Music. Sie tourten durch viele Länder und erkundeten verschiedene Kulturen mit einer Musik, die "die Kunst des Fühlens statt des Denkens kultiviert" (Quelle: Christian Meaas Svendsens Website).

Ayumi Tanaka:
Wir hatten sofort ein starkes Verständnis und das Gefühl, dass wir gemeinsam die Energie teilen können. Die Energie einer jeden Note. Selbst in der Stille, wenn keine Note oder Musik gespielt wird, gibt es eine bestimmte Energie. Wir müssen nicht einmal darüber sprechen oder sie erklären. Jedes Element hat seinen eigenen Raum und sollte diesen in Harmonie finden.

Christian und Per Oddvar interessieren sich beide für die japanische Kunst und Kultur. Eines Tages kam ich mit einem Musikstück, das von Gagaku (kaiserliche japanische Hofmusik) inspiriert war, und wir schufen sofort etwas zusammen. Ich musste ihnen nie erklären, was ich von ihnen hören wollte. Sie wussten es bereits. Manchmal verstehen sie mehr, als ich erwarten konnte.

Wie hat sich das Trio im Laufe der Jahre entwickelt?

Ayumi Tanaka:
Am Anfang war es eher ein traditionelles Klaviertrio. Das kann man auf dem ersten Album hören, das meiner Meinung nach mehr dem Jazz zuzuordnen ist. Aber dieser Übergang zwischen Jazz und etwas, das mehr "ich" ist, vielleicht mehr "japanisch", war nicht geplant. Das ist etwas sehr Persönliches. Das Leben in Norwegen hat mir meine Wurzeln bewusster gemacht und mich dazu gebracht, zu studieren und zu meinem Hintergrund zurückzukehren. Ich will das nicht verallgemeinern, aber ich glaube, das passiert den Menschen, wenn sie weit weg von ihrer Heimat leben. Und das macht mich glücklich. Das ist eine sehr positive Sache. Ich glaube, ich hätte die Schönheit all dieser Traditionen nie so zu schätzen gewusst, wie ich es jetzt tue, wenn ich noch in Japan leben würde.

Was hat sie überhaupt von Japan nach Norwegen gebracht?

Ayumi Tanaka:
Als ich mit dem Klavierspielen anfing, nachdem ich mit der Orgel aufgehört hatte, wollte ich mit meinem neuen Instrument improvisieren, und ich dachte seltsamerweise, die erste Musik, die mir helfen würde, das Improvisieren zu lernen, wäre... Jazz (lacht!). Aber das geschah nicht sofort.

In Japan gibt es eine Jazzszene, aber meine Heimatstadt Wakayama war nicht groß genug, um Jazzkonzerte besuchen zu können. Die nächstgelegene Stadt, in der es ein regelmäßiges Jazzprogramm gab, war Osaka, eine Stunde mit dem Zug entfernt. Leider waren die ersten Jazzmusiker, die ich dort traf, verrückt nach Be-Bop und Hard-Bop. Ich wollte mit erfahrenen Musikern spielen, also blieb mir nichts anderes übrig, als zu Jamsessions zu gehen, aber sie sagten: "Du spielst keinen Jazz. Du solltest erst zu Hause lernen, wie man Be-Bop spielt. "

Sie fühlte sich entfremdet.

Ayumi Tanaka:
Ich habe mich sehr bemüht, Be-Bop zu lernen. Es war traurig, weil ich das Gefühl hatte, dass es in der dortigen Jazzszene keine anderen Musiker gab, zu denen ich Kontakt aufnehmen konnte. Aber anstatt mich zu entmutigen, wurde mir dadurch erst recht klar, dass ich in meiner Musik ehrlich sein musste.

Später besuchte ich einen Freund von mir in Göteborg, Schweden. Dort habe ich die norwegische Musik entdeckt. Ich glaube, ich begann mit Jan Garbarek und Bobo Stensons Quartett bzw. Trio. Das war eine Offenbarung: "Wow! Diese Musik spricht mich an. "Sie haben sich gegenseitig so viel Raum gelassen. Es war fantastisch. Ich öffnete meine Ohren und mein Interesse für den skandinavischen Jazz und dann ganz allgemein für den europäischen Jazz und seine Musiker.

Als ich die skandinavischen Musiker entdeckte, fühlte ich mich im Allgemeinen besser. Was für eine Erleichterung! Ich fühlte mich nicht mehr fremd. Ich konnte ehrlich sein und die Musik spielen, die ich wollte, die Musik, die ich für mich selbst hielt. Oslo ist nicht so weit von Göteborg entfernt. Ich bestand das Probespiel an der Norwegischen Musikakademie in Oslo. Ich entdeckte wunderbare Musiker und lernte so viele Dinge, weil ich ständig zu Konzerten ging.

Von da an ging die Geschichte schnell voran. Ihre Entdeckung der norwegischen Szene beschleunigte Tanakas Interesse an dem Label ECM. Sie erklärt bescheiden, es sei eine natürliche Begegnung gewesen, aber wir haben auch gehört, dass Manfred Eicher besonders beeindruckt war, als er sie spielen hörte.

Dieses ECM-Album, das zweite Album ihres Trios, trägt den Titel "Subaqueous Silence". Diese Unterwasserstille wurde im Victoria, Oslo Nasjonal Jazzscene, aufgenommen, demselben Ort, der sie in seinen Bann zog, als sie nach Norwegen kam, und wo sie Teil dieser Jazzfamilie wurde. Eine perfekte Allegorie, um zu zeigen, wie wichtig Live-Musik in ihrem kreativen Prozess ist.

Ayumi Tanaka:
Das letzte Stück des Albums, der Titeltrack "Subaqueous Silence", dauert auf dem Album 9 Minuten, war aber ursprünglich mehr als 20 Minuten lang. Die Art und Weise, wie wir mit dem Raum spielen, ist nicht quantifizierbar. Ich möchte Musik komponieren, die wie eine Improvisation klingt, und ich möchte Musik improvisieren, die so klingt, als wäre sie geschrieben worden. Ich möchte, dass diese beiden Modi in meiner Musik gleichberechtigt sind. Das ist meine Arbeitsweise.

Es wäre allerdings ein großer Fehler - und auch ein Klischee -, die Musik von Tanaka als musikalisches Haiku zu betrachten, denn ihre Form und Länge hat keine formale Grenze. Es gibt keine Zwänge in ihrer Musik.

Am Ende unseres Treffens habe ich ein Zitat des deutschen Journalisten Ingo J. Biermann vorgelesen. Er schrieb: " Dies ist eines der faszinierendsten und frischesten Klaviertrio-Alben, die ich gehört habe, seit ich über nordische Musik schreibe. What a delight! ", was unterstreicht, dass sie jetzt als nordische Musikerin gilt. Sie nickt, lacht und fügt hinzu:

Ayumi Tanaka:
Nun, er hat über die Musik geschrieben, nicht ich! Natürlich freue ich mich, dass meine Musik als nordisch angesehen wird. Ich möchte nicht, dass meine Musik mit diesem oder jenem Etikett versehen wird. Die Musik hat ihre eigene Geschichte. Ich habe so viele großartige nordische Musiker getroffen und mit ihnen gespielt, da ist es gut, dass die Musik nach der Szene klingt, die sie inspiriert hat! Ich bin sehr glücklich darüber, weil ich mich so glücklich fühle, in diese großartige Gemeinschaft von Musikern in Norwegen aufgenommen worden zu sein. Ich möchte, dass meine Musik das Ergebnis von so vielen Mischungen wie möglich ist, einfach weil die norwegische Szene so offen ist.

Anne Yven - Jazznytt Oktober 2021

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