Die Kreativität der harten Realität

Die Kreativität der harten Realität

von Kateryna Ziabliuk

Haftungsausschluss: Dieser Artikel wird weder alle bestehenden Initiativen, die zur Entwicklung der ukrainischen Jazzkultur beigetragen haben, noch das heutige Leben der Musiker beschreiben. Diese Geschichte ist die persönliche Erfahrung der Autorin, die es vorzieht, keine Dinge zu beschreiben, die sie nicht selbst erlebt hat.

Stellen Sie sich eine Situation vor, in der Sie gebeten werden, eine lange Geschichte zu erzählen, die Sie irgendwo in der Nähe der Gegenwart erlebt haben, und gleichzeitig müssen Sie sich all der früheren Ereignisse bewusst sein, die Sie nicht erlebt haben, die aber einen direkten Einfluss darauf haben, wie die Dinge in diesem Moment aussehen. Die Geschichte des ukrainischen Jazz zum Beispiel ist ein mehrdeutiges Labyrinth von Szenarien, stark beeinflusst von sozialen und politischen Faktoren, und ohne diese zu verstehen, gibt es keinen Weg nach vorne. Deshalb ist es ziemlich schwierig, über den Platz des Jazz in der heutigen ukrainischen Kultur zu sprechen, ohne die Besonderheiten der Mentalität, der Macht, der Geschichte, der Soziologie und eine Reihe anderer Nuancen zu erwähnen, die scheinbar nichts mit Kreativität zu tun haben. Sie prägen letztlich das Bild der Kultur eines jeden Landes, auch eines Landes, das heute seine Identität gegen alle Widerstände verteidigt.
In diesen Tagen werden solche Themen immer häufiger diskutiert, und Menschen in aller Welt erfahren immer mehr über ukrainische Musiker, ukrainische Medien und ukrainische Festivals. Gleichzeitig macht sich seltsamerweise ein sokratisches Paradox breit - je mehr Wissen, desto mehr Fragen und Unsicherheit. Und es gibt nichts zu verbergen - und das ist gut so, denn es gibt noch viel zu erzählen, zu ergänzen und zu erweitern. Vor allem über die Orte, an denen der Jazz als Brücke zwischen den Menschen gedient hat, an denen Menschen seine universelle Sprache gelernt haben, um ihre kreativen Ideen durch ihn zu kommunizieren und zu verwirklichen.

Beginnen wir mit dem "Geburtshaus" der Hauptstadt. 1980 eröffnete der Musiker und Musikwissenschaftler Volodymyr Symonenko an der Reinhold-Glier-Musikakademie der Stadt Kiew (damals Teil der Nationalen Tschaikowsky-Musikakademie der Ukraine) eine Jazzabteilung und übernahm deren Leitung.  Die Person Symonenko verdient eine eigene 20-seitige Darstellung als erster und einer der größten Liebhaber der Jazzmusik in der Ukraine. Er dokumentierte nicht nur die Musik, die in der Ukraine entstand, und schrieb das erste Buch über Jazz in der Ukraine, Melodien des Jazz, sondern organisierte auch die meisten Jazzfestivals des Landes, leitete den ukrainischen Jazzverband und knüpfte Kontakte zu ausländischen Organisationen, was damals keine leichte Aufgabe war, wie man sich vorstellen kann. Letztlich unterschied sich das Jazzsystem nicht wesentlich von dem anderer europäischer Länder. Es gab nur wenige Jazzmusiker, die sich untereinander kannten und sich auf eigenes Risiko für die Förderung der "bürgerlichen Kultur" einsetzten. Alles musste von Grund auf neu aufgebaut werden. In einer Gemeinschaft erscheinen alle Ziele realistischer, und so war das Lehrerkollegium eher eine Gruppe von Außenseiterfreunden, die gemeinsam und mit aufrichtiger gegenseitiger Unterstützung daran arbeiteten, ein Geschäft am Laufen zu halten, dem der Rest von uns zumindest mit Skepsis gegenüberstand (seien wir ehrlich, so sieht es immer noch aus). Die ersten Lehrer waren professionelle Musiker: Yukhym Markov, Oleksiy Saranchin, Natalia Lebedieva, Oleksandr Harkavyi, Oleksandr Rukomoinikov, Oleksandr Shapoval und andere. Die meisten von ihnen leiten die Fakultät auch heute noch, aber in den letzten Jahren wurde der Lehrkörper durch jüngere Professoren wie Oleksandr Pavlov, Artem Mendelenko, Ihor Zakus oder Anna Dontsova ergänzt. Aufgrund des eher kleinen Kreises von Personen, die sich manchmal auch außerhalb der Akademie auf derselben Bühne treffen, gleicht die Atmosphäre an der Schule eher einem Labor. Es gibt ein bestimmtes Wissen, das man sich aneignen muss, aber jeder hat den Durst, einer Wahrheit durch die Schicht des Unbekannten hindurch auf den Grund zu gehen. Es kam oft vor, dass Schüler und Lehrer ein bestimmtes Thema nicht kannten und gemeinsam voneinander lernten. Ja, vielleicht ist diese Methode sehr unordentlich, wie in den alten Zeiten - Selbststudium in einer kleinen Grube der Unwissenheit, aber zumindest vermittelt sie die Einsicht, dass man nicht allein ist und dass man gemeinsam zu allem fähig ist, auch wenn die Werkzeuge sehr dürftig sind.

Die natürliche Folge dieser Ereignisse war die Bildung eines sehr engen Milieus, das sich schließlich strikt in stilistische "Boxen" aufteilte: puristische Jazzmusiker, Rockmusiker, Popmusiker und diejenigen, die Hip-Hop und RnB mit der Stimme eines Jazzmusikers spielten. Alle landeten im selben Topf - bei einer Big-Band-Probe, einer Vorlesung über Jazzgeschichte oder klassischer Harmonielehre. Aber niemand wollte es tun, und so beschränkten sich die Kommentare der älteren Lehrer irgendwann darauf, die "zu langen" Kompositionen zu kritisieren und dass die Schüler den traditionellen Jazz vergaßen. Die jüngeren Mentoren mischten sich nicht ein und zogen es oft vor, Zeit mit den Studenten außerhalb der Struktur zu verbringen, was langsam in die Geschichte einging. Einer dieser Orte waren lokale Clubs.

Es ist auch erwähnenswert, dass das Konzept einer musikalischen Tradition unter Musikern meist im Raum zwischenmenschlicher Beziehungen und des persönlichen Wunsches, etwas zu schaffen, entsteht, und nicht an einem bestimmten Ort, der seit Jahrzehnten besteht und selbst ein Ort der Begegnung und des kreativen Kultes für verschiedene Generationen ist. Wie dem auch sei, die meisten Initiativen wurden mit einer gehörigen Portion Unwissenheit gestartet, was manchmal zu einem unerwartet interessanten Experiment und manchmal zu einer sinnlosen Niederlage führte. Es gab viele Versuche, einen ähnlichen Ort für Jazzmusiker zu schaffen, aber die Idee wanderte immer wieder von einem Knaipa zum anderen, von einem Viertel zum anderen, so dass die Musiker eine außergewöhnliche Elastizität in sich entwickelten und ständig nach Möglichkeiten suchten, etwas zu organisieren. Diese Lotterie des Lebens hat den Menschen das Gefühl gegeben, dass hier nichts wirklich Dauerhaftes entstehen kann, und erst in den letzten Jahren hat diese Ideologie begonnen, sich auf die Schaffung von etwas Dauerhaftem zu konzentrieren. Einer, der dieses Ziel seit einigen Jahrzehnten hartnäckig verfolgt, ist Oleksii Kogan, Journalist, Radio- und Fernsehmoderator und Leiter des Jazz-Festivals in Kyiv. Die Liste seiner Verdienste ist lang, doch auch sein Wirken ist mehrsprachig, denn er hat beispielhaft gezeigt, wie internationale Kommunikation aussehen kann. Dank ihm lernten immer mehr Menschen die Ukraine und ukrainische Musiker kennen, und in der Ukraine wurde das allgemeine Repertoire bereichert und neue musikalische Konzepte entstanden.

Für eine relativ lange Zeit gab es in Kiew mehrere Clubs, die diese Rolle als ständiger Treffpunkt spielten. Es waren dies der Club 44, der Divan, der Cotton Club und das Master Class House, in denen sowohl hochkarätige Konzerte mit geladenen Gästen als auch verschiedene Jamming-Formate stattfanden, bei denen die Musiker miteinander ins Gespräch kamen. Allerdings gab es in diesen Clubs keine strikten stilistischen Regeln, so dass auf diesen Bühnen oft sehr unterschiedliche Bands zu hören waren, von traditionellem Jazz bis hin zu Rock, Ska oder Soul. Trotz ihres wichtigen Platzes im kulturellen Leben der Stadt überlebten diese Lokale nicht länger als 10-15 Jahre, dann mussten sie aus finanziellen oder bürokratischen Gründen umziehen. Einer der Überlebenden, der Club 44, wurde in den Club Barman Dictat umgewandelt und existiert noch heute im selben Innenhof in der Khreshchatyk-Straße. Aufgrund seiner günstigen Lage und der langen Öffnungszeiten fanden hier wohl die meisten Musikpartys und Festival-Afterpartys statt.

Manchmal fanden sie in Form von zyklischen Konzerten statt, die gleichzeitig einheimischen Komponisten aller Niveaus freie Hand ließen und schlicht "Composer Series" genannt wurden. Kuratiert wurden sie von dem Saxophonisten Bohdan Humeniuk, einem Absolventen der städtischen Reinhold-Glier-Musikakademie in Kiew und der McGill-Universität in Montreal, Kanada. Die Idee kam ihm von der Trompeterin Rachel Therrien, die er schließlich einlud, an der Reihe in Kiew teilzunehmen. Wie der Name schon sagt, bestand das Konzept darin, die Kompositionen der Gäste jedes Mal mit einer anderen Band aufzuführen, wobei die wichtigste Regel eine einzige Probe war. Im Laufe der Zeit gewann der Prozess an Dynamik, und die Organisationsgruppe des Closer Club schloss sich dem Prozess an und führte ein etwas anderes Format ein: Meisterklassen mit einem Orchester, das die Kompositionen der eingeladenen Musiker aufführte. Michael Abene, Stephen Feifke und John Hollenbeck besuchten Kiew.

Erwähnenswert ist auch der Closer Club. Hier treffen sich verschiedene Milieus, die sich vor allem für Jazz und elektronische Musik interessieren. Aufgrund dieser bunten Mischung zieht dieser Ort immer wieder Menschen mit unterschiedlichem Hintergrund an und jeder kann hier seine eigene Nische finden. Es sind Clubs wie dieser, die Kiew den Ruf des "slawischen Berlins" eingebracht haben - neben dem progressiven Format des Veranstaltungsortes selbst hat sich das Organisationsteam stets um einen freundschaftlichen Dialog mit ausländischen Musikern und Institutionen bemüht. Die prominenteste Figur - vor allem im Jazzbereich - ist Olga Bekenstein, die seit 2013 systematisch den Geschmack des Kiewer Publikums entwickelt und nach Möglichkeit alle führenden Musiker der Zeit einlädt, die sie während ihres Fulbright-Stipendiums in den USA kennenlernen durfte. Fast jeden Monat gab es im Closer-Club einen Auftritt von jemandem aus unserer täglichen Playlist oder von jemandem, der im Laufe der Zeit dazu gestoßen war. Ambrose Akinmusiri, Theo Blackmann, Fly Trio, Bugge Wesseltoft, Gerald Clayton, Soweto Kinch, Mateusz Smoczyński - und das ist nur ein kleiner Teil der Clubgäste, die uns in jeder Hinsicht begleitet haben. Eine der konventionellen Ideen war der kurze Draht zu den Musikern, was damals eine exotische Neuigkeit war, denn man konnte leicht ein paar Worte mit seinem Idol wechseln, etwas zusammen trinken und sich sogar auf einige gemeinsame Abenteuer einlassen. Später rief Bekenstein das Vorzeigefestival Am I Jazz? Festival ins Leben, das vor dem Krieg mehrere erfolgreiche Ausgaben mit ukrainischen Musikern erlebte. Mit Beginn des Zweiten Weltkriegs wurde das Konzept in die Vereinigten Staaten verlagert, und führende Musiker - Freunde des Closer-Clubs - wurden eingeladen, an den amerikanischen Ausgaben teilzunehmen, um unter anderem ein gemeinsames Programm mit eingeladenen ukrainischen Musikern zu gestalten.

Dies war das Konzept des befreundeten Clubs Jazzva, der auf der Grundlage der Kiewer Mohyla-Akademie von deren ehemaligen Studenten - Nazar Polyvka, Artur Shramko - und dem Fotografen Oleksii Karpovych, der außerhalb des akademischen Umfelds arbeitete, gegründet wurde. Sie prägten die Ideologie dieses Ortes. Trotz des kurzen Bestehens gelang es ihnen, bei Musikern und Zuhörern das Bedürfnis nach menschlicher Nähe zu wecken, und schließlich schweißte die erwähnte spezifische Organisationsmethode die Menschen durch unvorhersehbare höhere Gewalt und den Versuch, sie gemeinsam zu lösen, auf überraschende Weise zusammen. So begannen die Vorbereitungen für ein Konzert der polnischen Band High Definition im Rahmen des Festivals Jazz Bez 2012 damit, dass ein Klavier über verschneite Straßen von der Akademie in den Konzertsaal im Untergeschoss geschleppt wurde. Marcus Strickland, der damals noch nicht zur Weltspitze gehörte, kam im selben Jahr zu einem Konzert und wärmte sich mit Cognac, umgeben von den Organisatoren und ihren Freunden, oder Matthew Shipp, der gleich zu Beginn der Revolution der Würde auf dem Platz der Unabhängigkeit eintraf. Und was soll man über die verschiedenen Fotoausstellungen und Mini-Festivals (z.B. das Hostynnyi Dvir-Festival im Hostynnyi Dvir-Gebäude) sagen, die allen Anwesenden sicher im Gedächtnis geblieben sind?

Einige Jahre nach der Schließung von Jazzva wurde an seiner Stelle der Kontra Jazz Club eröffnet, der seinen Namen von seiner Lage (die Kiewer Mohyla-Akademie liegt gegenüber dem Kontraktova-Platz) und als Zeichen des Widerstands gegen die verstaubten Jazzclubs erhielt, die Jahr für Jahr die gleichen alten Sachen spielten. Es war eine Art Quintessenz aller möglichen Ideen, die in den letzten Jahren im Kiewer Kreativraum entstanden waren - es gab Komponistenkonzerte, Battles, thematische Jam-Sessions, Filmvorführungen, Tänze mit Live-Bands. Das Ziel dieses Ortes war es, verschiedene musikalische Umgebungen zu verschmelzen, die im Kontra Jazz Club einen offenen Raum zum Experimentieren und Lernen fanden. Leider dauerte diese Initiative nur ein Jahr, aber es gab noch eine andere, die von den Gründern der Zeitschrift Meloport (Oleksii Karpovych und Kateryna Ziabliuk) ins Leben gerufen wurde und Meloport Loft hieß. Es war eine Mischung aus rebellischem, hypersozialem Gegenclub und Hauskonzerten im Stil von Jazzfest Berlin und Jazztopad, bei denen spontan zusammengestellte Bands kurze improvisierte Sets an unvorhersehbaren Orten spielten - in Wohnungen, Cafés, Galerien, Werkstätten und was sonst noch zugänglich war.

Muss man noch betonen, wie sehr diese Veranstaltungen den Horizont junger Musiker und Musikliebhaber erweitert haben? Das ist eine unbestreitbare Wahrheit. Und sei es nur, weil sich zwei Welten, die zuvor in gegensätzlichen Realitäten existierten - die Rave-, Film- und Theaterkultur und die Jazzkultur - irgendwann trafen und begannen, sich mit Interesse kennenzulernen und an einigen Stellen kreativ zusammenzuarbeiten. Historisch gesehen könnte man dies in der ukrainischen Improvisationsmusik als "Neo-Futurismus" bezeichnen - der Moment, in dem völlig neue Sichtweisen in die eigene Weltsicht eindringen und man ganz natürlich das Wissen in Frage stellt, das sich über Jahre hinweg eingeschliffen hat und zu einer vertrauten, alltäglichen Norm geworden ist. Die neue Frage lautete: "Wie kann Musik die Umwelt verändern?"

Im März 2019 fand die erste Party namens FUSION in der Siebdruckwerkstatt statt. Das System war einfach: Man rief seine Freunde an, organisierte gemeinsam und spendete für die Entwicklung der Organisation. Jeder brachte sein eigenes Werkzeug mit, hatte keine besonderen Erwartungen und es gab eine lange Debatte darüber, ob dies wirklich der richtige Ort für ein solches Abenteuer sei. Wie immer in solchen kontroversen Situationen, ging nicht nur alles gut, sondern auch so, wie es niemand erwartet hatte. Jazzmusiker mit einer Rock'n'Roll-Seele ließen ihrer wahren musikalischen Stimme freien Lauf, trafen auf einer kleinen Bühne auf Musiker mit völlig unterschiedlichen Hintergründen, und gemeinsam schufen sie schnell eine positive Aura um sich herum, basierend auf Electronica, Alternative Rock, Drum and Bass und umrahmt von einem kollektiven Wunsch nach Improvisation. Vor diesem feurigen Hintergrund erweiterte der Improvisationsprozess ganz natürlich seinen emotionalen Einflussbereich, indem er mehr und mehr ein Ausrufezeichen hinter jede gespielte Phrase setzte und oft selbstbewusst die Präsenz seiner Interpreten in dieser Welt erklärte und so metaphorisch das Wesen ihres Charakters erhellte, sei es durch die Besonderheiten des Stilmischmaschs oder durch persönliche Empfindungen ihnen gegenüber. Aber das ist nicht so wichtig: Das Wichtigste ist, dass sich von Anfang an eine außergewöhnliche Kommunikation zwischen den Musikern entwickelt hat, die sie in jeder Hinsicht bereichert hat.

2019 saßen wir bei einem der Fusion-Jams in Kiew in einer großen Gruppe junger Jazzmusiker. Alle waren in eine hitzige Diskussion verwickelt, begleitet von Musik im Hintergrund, Zigarettenrauch und endlosen Gläsern mit verschiedenen Spirituosen. Es war schwer, sich auf etwas zu konzentrieren, die Aufmerksamkeit wanderte von einem Erzählstrang zum anderen, aber ein zufälliges Leitmotiv blieb mir wie ein fernes Echo im Gedächtnis: "...alles, was ich will, ist, dass der gegenwärtige Moment immer Kunst ist". Wir wissen nicht, wer das gesagt hat, aber das ist auch nicht mehr wichtig, denn in diesem Moment lässt sich jeder von uns, bewusst oder unbewusst, von diesem Motto leiten und schafft Musik, die uns vor allem erlaubt, "Dampf abzulassen", die Welt über unsere schwierigen Kämpfe mit der Realität zu informieren, gewürzt mit den Folgen des Krieges im Osten und dem Eindringen unserer aufdringlichen russischen Nachbarn in unsere Territorien. Es war dringend notwendig, sich zusammenzuschließen. Plötzlich tauchten in unserem eher hermetischen Jazzkreis Menschen aus anderen kreativen Kreisen auf, die einen neuen Blick auf die Musik hatten und den Mut, Unvereinbares zu verbinden.

Damals lernten wir Sasha Pinchuk kennen. Er hatte nie ein Konservatorium besucht, spielte mehrere Instrumente und wirkte in seinen jungen Jahren - er war damals 21 - wie ein erfahrener Walhalla-Wanderer. Blond, mäßig kräftig, mit Tätowierungen übersät und zu jeder Gelegenheit gleich gekleidet, war er ein wissbegieriger Außenseiter mit der Fähigkeit, Menschen zu führen. Er konnte seine Idee, die er schon seit einiger Zeit verfolgte, noch nicht vollständig beschreiben, aber die Grundidee war, eine kreative Gemeinschaft zusammenzubringen, die sich zu Jams, Konzerten und Festivals trifft, die sie selbst organisieren. Sasha liebte Jazz und Hip-Hop, aber er äußerte oft seine Unzufriedenheit und fragte sich, warum Pop in der Ukraine so gut lief, während neuer Jazz und Hip-Hop in einer schäbigen Garage stattfanden, die zu einem Proberaum umfunktioniert worden war und von der niemand etwas wusste. So entstand FUSION - ein lebendiger, improvisierender Organismus, ein Kollektiv von ähnlich wagemutigen Menschen, das durch seine Experimentierfreudigkeit, manchmal auch Brutalität und Kompromisslosigkeit besticht. Von Anfang an bestand das Hauptkontingent dieser Veranstaltung aus Studenten der Städtischen Reinhold-Glier-Musikakademie Kiew (meist der Jazzabteilung oder offiziell der Abteilung für musikalische Unterhaltung), aus solchen, die von dort systematisch verwiesen wurden, und aus solchen, die nicht versuchten, mit dieser Struktur eine gemeinsame Sprache zu finden. Es schien, als ob Leute mit polarisierten Ansichten zusammen auf der Bühne standen und Musik machten, die ihnen gefiel, aber sie konnten es nirgendwo öffentlich zugeben.

FUSION bildete einen festen Kreis von Menschen, die nicht nur musikalische Ideen austauschten, sondern eine ganze Familie bildeten, die Zeit miteinander verbrachte und sich gegenseitig in jeder Situation unterstützte. Dieser Zusammenhalt zeigte sich besonders nach dem tragischen Tod von Sasha Pinchuk, als die gesamte Band innerhalb kürzester Zeit lernen musste, sich ohne Frontmann zu organisieren. Und auch hier gilt: Ohne Einheit geht es nicht. Mit dem Ausbruch des Krieges verfestigte sich diese Struktur - die Konzerte der Plattform wurden zum Hauptquartier für die Unterstützung des Militärs, der Flüchtlinge und der Krankenhäuser, und FUSION selbst wurde zu einer Stiftung für Künstler, zu einem Label, das irgendwann begann, mit einer Delegation in andere Städte und Länder zu reisen. In dieser Zeit war es wichtig, die wichtigsten Akteure der Musikszene hervorzuheben, zumal die Bands und Projekte, die heute das Bild der ukrainischen Jazz- und Alternativszene prägen, natürlich bei FUSION-Veranstaltungen entstanden sind. Dazu gehören Hyphen Dash, OTOY, die Musiker Andrii Barmalii, Zhenia Pugachev, Diana Jabbar, Misha Birchenko, Yegor Havrylenko und sein Projekt The Lazy Jesus. Doch jeder von ihnen ging seinen eigenen musikalischen Weg, und es war nicht mehr möglich, alle in eine "Arena" zu werfen, sondern bei Konzerten eine Bühnenteilung zwischen Akustischem (Improvisation) und Elektronischem einzuführen. Der Kreis erweiterte sich, die Unterstützergruppe wurde stärker, und in verschiedenen Städten der Ukraine entstanden Schwestergruppen, die in eine ähnliche Richtung gingen.

Es scheint, dass wir die Antwort auf die Frage nach dem Einfluss der Musik auf die Gesellschaft gefunden haben, aber es gibt immer noch viele Dinge, die nicht so gut funktionieren, und es gibt sehr wenig Aussichten, dies zu ändern. Merkwürdigerweise geht es hier um Enthusiasmus und kreative Offenheit, um die Fähigkeit, seine Kreationen ohne Reue und ohne allzu große Herausforderung der ganzen Welt zu zeigen und mit dem Rest der Welt in einen kohärenten Dialog zu treten. So cool und frisch der ukrainische Jazz und die experimentelle Musik im Moment auch erscheinen mögen, jeder ist mit der Angst vor der Gegenwart, der Zukunft und der Tatsache konfrontiert, dass niemand außer uns selbst uns wirklich versteht. Grundlegende Dinge - wie man sich ernährt, wie man überlebt, wie man dem psychischen Druck standhält, wie man die Armee und die Menschen um sich herum unterstützt. Bei fast jedem Konzert, das in diesem Land stattfindet, geht es nicht in erster Linie um kreative Innovation, sondern darum, Geld zu sammeln und die Kultur vor dem Zusammenbruch zu retten, und das ist leider die Hauptmotivation, etwas zu tun. Natürlich kann man nicht nur an die Musik denken, und deshalb ist es ziemlich schwierig, heute über die musikalische Entwicklung in der Ukraine zu sprechen. Und doch spielt die Kunst in diesem Überlebenskampf eine Schlüsselrolle, weil sie verschiedene Menschen um einer Idee willen vereint und mit der richtigen Unterstützung von außen zu einer lebendigen Farbe werden kann. Dies inspiriert nicht nur die Künstler, sich mutig in der Welt zu zeigen, sondern auch die Welt, sie zu akzeptieren und zu unterstützen.

Text: Kateryna Ziabliuk / Meloport

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