Yakiv Tsvetinskyi: Durch die Welt nach Hause

Stephan-Max WirthYakiv Tsvetinskyi: Durch die Welt nach Hause
Yakiv Tsvetinskyi: Durch die Welt nach Hause, Foto: Tatyana Shlapak

Yakiv Tsvetinskyi ist einer der interessantesten und aktivsten Musiker der ukrainischen Szene. Er ist offen für fast alle Musikstile, spielt gerne verschiedene Instrumente und ist immer auf der Suche nach Möglichkeiten, in der Welt etwas Neues zu lernen. Manchmal ist es schwer zu glauben, dass ein Mensch mit so vielen Fähigkeiten und Kenntnissen umgehen kann, ohne dabei den Überblick zu verlieren.

Yakivs Lebensgeschichte beweist, dass eine gesunde Portion Beharrlichkeit zu außergewöhnlichen Ereignissen und wichtigen Entdeckungen führen kann. Nach seinem Studium in Michigan (USA) kehrte er in die Ukraine zurück, um an der Musikakademie von Dnipro die Jazzabteilung aufzubauen. Während der Pandemie wurde er für eines der führenden Ausbildungsprogramme für Jazzmusiker - Focusyear in Basel (Schweiz) - ausgewählt, wo er ein Jahr verbrachte, und jetzt ist er zu einem Ausbildungsprogramm am Herbie Hancock Institute aufgebrochen, wo er auch Meisterkurse geben und auf Welttournee gehen wird. Jeder dieser Orte hatte einen gewissen Einfluss auf seine Entwicklung und sein Selbstbewusstsein als Musiker.

In den letzten Jahren haben Yakov und ich uns hauptsächlich in Form von Interviews getroffen. Dieses Mal waren wir so begierig darauf, alles zu erzählen, was in letzter Zeit passiert war, dass das Gespräch mehrere Stunden dauerte, ohne dass wir es bemerkten. Wir sprachen über alles, auch über Dinge, die für uns selbstverständlich waren, wie zum Beispiel unsere Lebensgeschichten. Und es war eine großartige Gelegenheit, über unsere eigene Geschichte nachzudenken und sie mit anderen zu teilen.

Fangen wir ganz am Anfang an, bei Ihrer ersten Begegnung mit Musik. Sie haben mit klassischer Musik angefangen, nicht wahr?

Ja, das stimmt.

Wann haben Sie sich für andere Musikstile interessiert?

Ich habe mich schon lange vor der Musikschule für Jazz interessiert. Meine Eltern hatten und haben eine ziemlich große Musiksammlung - sie hatten immer Oscar Peterson, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk oder Chet Baker, und ich habe sie schon als Kind gehört. Damals wusste ich noch nicht, was es heißt, Jazzmusiker zu sein, aber ich liebte es. Und ich begann mit klassischer Musik, denn das ist das klassische Szenario der Musikausbildung in unserem Land. Natürlich gab es an der Musikschule keine Jazzabteilung und auch keine Improvisation, aber es gab immer Lehrer, die sich für dieses Repertoire interessierten. Es machte auf jeden Fall mehr Spaß als komplizierte klassische Stücke zu spielen, zumindest für ein ungebildetes Kind vom Land (lacht).
Als ich studierte, gab es in Dnipro bereits zwei Jazzorchester. Es gab keine [Jazz-]Abteilung, aber es gab Musiker, die improvisierten und hauptsächlich Jazz spielten. Als ich dem Hochschulorchester beitrat, wurde ich sofort zu Auftritten und Konzerten eingeladen. Durch Zufall landete ich in einer Gruppe, die Original-Fusion spielte, und so musste ich anfangen zu improvisieren, zumal wir viele Konzerte spielten und die Leute kamen... Ich kann sagen, dass ich in einen wahren Strudel des Musiklebens geriet, obwohl ich fast nichts wusste.
Später lernte ich den Bassisten Yuri Buzylov kennen, der heute noch in Dnipro lebt und arbeitet. Er ist ein Mann, der viel für die Bildung in Dnipro und in der Ukraine getan hat.

Er hat zum Beispiel David Bakers How to Play Bebop übersetzt.

Er hat viele Bücher über Jazztheorie übersetzt. Man könnte ihn einen echten Jazz-Aktivisten nennen. Wir begannen, mit ihm traditionelle Jazzkonzerte zu spielen, und ich erhielt von ihm meine ersten Lektionen in Jazztheorie und meine ersten Erfahrungen im Jazzspiel. Bei diesen Konzerten lernte ich Mykhailo Lyshenko kennen, mit dem ich lange zusammenarbeitete, und auch Dmytro Lytvynenko, mit dem ich heute noch Musik aufnehme. Natürlich trat die klassische Musik in den Hintergrund, und als die Jazz-Abteilung [an der Dnipro-Musikakademie] eröffnet wurde, habe ich mich offiziell umorientiert.

Es gab eine Zeit in Ihrem Leben, da traten Sie mit der Band Hromadianyn Topinambur auf. "The Theatre of Hard Rock", Geschichten über den postsowjetischen Durchschnittsbürger...

Ich glaube, wenn diese Band Jazz gespielt hätte, wäre ich nicht von hier [Dnipro] weggegangen. Ich wäre nicht ins Ausland gegangen, um zu studieren, ich hätte einfach mit ihnen gespielt. Alle sind sehr unterschiedlich, jedes Mitglied ist eine eigene Persönlichkeit, alle sind Musiker auf hohem Niveau. Gleichzeitig haben wir viel Zeit miteinander verbracht. Mit dieser Band sind wir auf die damals unbesetzte Krim gereist, nach Odesa und in die ganze Ukraine.
Ich kann auch sagen, dass ich dort meine Fähigkeiten im Arrangieren verbessert habe, indem ich während der Proben schnell Stimmen für drei Blasinstrumente schrieb und alle möglichen Techniken ausprobierte, die ich in den Lehrbüchern gelesen hatte.
Früher hatte die Band einen russischen Namen, aber das hat sich vor langer Zeit geändert, und sie haben angefangen, Musik nur auf Ukrainisch aufzunehmen. Roman Zabuga, der Bandleader, dient derzeit in der Nationalgarde und schreibt aktiv neue Musik, die die Band aufnimmt, wenn er im Urlaub ist. Maksym Husevych, der Bassist der Band, wurde ebenfalls einberufen.

Y.C.: "Jetzt hat jeder ukrainische Musiker die Aufgabe zu zeigen, was in der Ukraine passiert und wer die Ukrainer sind. Das ist ein sehr schwieriger Prozess, aber ich glaube, dass allein der Ansporn unsere Musik viel besser macht.

Yakiv Tsvetinskyi
Yakiv Tsvetinskyi, Foto: Tatyana Shlapak

Auf geht's: Später gingen Sie mit einem Fulbright-Programm in die USA, kehrten in die Ukraine zurück und begannen eine pädagogische Revolution am Dnipro-Konservatorium... Was waren Ihre Absichten, als Sie dorthin gingen, und was ist dann passiert?

Um auf das Thema Bildung in der Ukraine zurückzukommen: Mein Ziel war es nicht nur, ein Instrument zu lernen, was ich immer machen wollte. Ich wollte auch sehen, wie Musikausbildung in einem Umfeld funktioniert, in dem Jazz in der einen oder anderen Form seit fast 100 Jahren unterrichtet wird. Obwohl Jazz in den Vereinigten Staaten erst in den 1950er Jahren offiziell gelehrt wurde, wurde er bis dahin als Folklore von Meister zu Schüler weitergegeben. Ich wollte ein Unterrichtssystem entwickeln, das im ukrainischen Kontext gut funktionieren würde. Die erste (und offensichtliche) Schwierigkeit dabei ist, dass die ukrainische Jazzgemeinde viel kleiner ist. Das Wissen, das sich ein amerikanischer Student nur durch die Beobachtung von Auftritten älterer Kollegen aneignen kann, ist für einen ukrainischen Studenten nicht so leicht zugänglich. Das heißt, wir mussten im akademischen Umfeld künstliche Bedingungen schaffen, damit diese Gemeinschaft wie eine gut gepflegte Pflanze wachsen und sich in die Gemeinschaften außerhalb der Ukraine integrieren konnte. Die zwei Studienjahre waren großartig, wahrscheinlich die beste Zeit meines Lebens. Ich habe so viele Menschen kennen gelernt, mit denen ich gemeinsame Interessen habe.

Welcher Stadt wurden Sie zugeteilt?

Ich ging in eine Stadt namens Kalamazoo, die ich nur aus einem Lied kannte, und ich dachte: "Warum nicht New York, warum nicht Los Angeles oder Philadelphia?", denn das war eine Entscheidung des Programmkomitees, auf die ich wenig Einfluss hatte. Aber dort traf ich Andrew Rathbun, der mit Kenny Wheeler, meiner Nummer eins unter den Trompetern, gespielt und aufgenommen hatte. Andrew ist ein unglaublicher Komponist und Tenorsaxophonist, und von ihm habe ich viel über Komposition und Arrangement gelernt, über freie Improvisation. Es war klar, dass dies das beste Umfeld für mich war - ich konnte mir Zeit nehmen, um zu finden, was ich brauchte. Als Student hatte ich die Gelegenheit, mit Peter Erskine und Theo Blackman zu spielen, mit denen ich immer noch in Kontakt stehe, und mit vielen anderen, die dort waren.
Nachdem ich nach Hause zurückgekehrt war, begannen wir, das System am Dnipro-Konservatorium zu verändern. Es hat mich sehr gefreut, dass jede Idee mit aufrichtiger Begeisterung aufgenommen wurde, was in unserem Land selten ist. 2018 kam ein neues Lehrerteam zusammen: ich, Danylo Vynarykov, Oleksii Boholiubov und Kyrylo Revkov. Alle waren mit unglaublichem Enthusiasmus bei der Sache, so dass wir im ganzen Land für Aufsehen sorgten (lacht).
Wir wollten auf keinen Fall mit anderen Akademien konkurrieren. Wir wollten einfach ein alternatives Modell anbieten, das von Bildungseinrichtungen in der ganzen Ukraine übernommen werden kann, damit alle einen Schritt nach vorne machen können. Und es scheint funktioniert zu haben. Die meisten Hochschulen haben ihr Profil gefunden. Zum Beispiel Berklee, New School oder Gulliard School: Abgesehen davon, dass das Niveau der Lehre überall sehr hoch ist, bietet jede dieser Schulen ein anderes Programm an. Irgendwo werden Leute ausgebildet, die sich intensiv mit dem traditionellen Jazz und seiner Geschichte auseinandersetzen wollen, irgendwo geht es in eine moderne Richtung, z.B. in die zeitgenössische akademische Musik und die Zusammenarbeit mit Musikern in dieser Richtung, oder es gibt eine ethnische Komponente wie in Berklee. Ich denke, so sollte es auch in der Ukraine funktionieren.

Wie stellen Sie sich das vor?

Das ist natürlich kein Spaziergang durch ein Feld voller Gänseblümchen. Es ist ein komplexer und langwieriger Prozess, der oft schmerzhaft ist, weil man immer wieder auf Widerstände stößt, die sich der eigenen Kontrolle entziehen. Wie zum Beispiel die groß angelegte Invasion Russlands in der Ukraine, die dem Lernprozess sicher nicht förderlich ist. Es gab eine Zeit, da hielt ich einen Vortrag darüber, wie man einen Akkord spielt oder richtig schreibt, und dann schlug eine ballistische Rakete in der Nähe unseres Schlafsaals ein, das Luftverteidigungssystem hatte sie nicht entdeckt, und die Sirene ging nicht an. Wir rannten in den Luftschutzbunker, über welche Musik konnten wir reden?
Einer der Studenten, der an diesem Tag nicht zu meiner Vorlesung gekommen war, wohnte 300 Meter von der Stelle entfernt, an der die Rakete eingeschlagen war. Er schickte mir Fotos und Videos von zerstörten Privathäusern. Es war ein schweres Trauma für ihn, aber ich beschloss, ihn mit Humor aufzumuntern und sagte: "Das ist ein Zeichen! Du musst zur Schule gehen und Musik machen. Auch wenn es in dem Moment nicht leicht für ihn war, hat es schließlich funktioniert (lacht).

Wissen Sie, ich bin immer wieder erstaunt, wie die Ukrainer in den schwierigsten Situationen einen Grund zum Scherzen finden, um irgendwie den Stress abzubauen?

Ja, ich glaube, ohne sie hätten wir nicht überlebt. Aber auch durch die Witze ist sich jeder der ganzen Tragödie bewusst und tut alles, um dem Sieg näher zu kommen.

...und dann plötzlich aus der Ukraine in die Schweiz, nach Basel. Woher kam diese Idee und wie spontan war sie?

Ich hatte nicht die Idee auszubrechen, sondern eher das Gefühl, dass mir in meinem Spiel und in meiner Musik etwas fehlt.  Da ich einen Lehrauftrag habe, wusste ich, dass ich an eine gewisse Grenze des Wissens gestoßen war. Ich wollte neue Erfahrungen sammeln, die ich weitergeben kann, um diese Wissensgrenze zu erweitern.
Ich habe mich für das Fokusjahr im ersten Studienjahr beworben, ein Freund hat es mir empfohlen. Ich habe mir die Liste der Dozenten angeschaut und war einfach begeistert. Ich habe zwar nicht bestanden, aber ich habe an meinen Fehlern gearbeitet, mein Dossier vervollständigt, kurz gesagt, alles war eine Stufe besser. So wurde ich im Dezember 2019 zur zweiten Runde der Auditions eingeladen. Zuerst war ich unglaublich aufgeregt, dann hatte ich Angst, und noch später brach die Pandemie aus.
Es war ein Schlüsselerlebnis, das mein Leben veränderte und mich dazu inspirierte, darüber nachzudenken, was ich mit meinem Leben anfangen wollte. Meine damalige Frau bekam eine Stelle an der Lemberger Oper, und mir war klar, dass ich nach Lemberg ziehen würde. Ich hatte Kontakte, aber es hat mich viel Zeit und Energie gekostet, mich dem Ensemble anzuschließen und meine Bühne zu finden. Es war eine existenzielle Enttäuschung. Ich begann daran zu zweifeln, dass ich es nie zum Vorsprechen schaffen würde, und ich hatte bereits einen gewissen Vorteil verloren, da das Vorsprechen online stattfand.
Am Ende habe ich es doch geschafft und es war eine interessante Erfahrung. Sie hören dir nicht nur zu und sprechen mit dir durch die Kamera, sondern geben dir auch eine Aufgabe, die du erfüllen musst. Die Aufgabe ist ein Stück, das man über Nacht arrangieren muss. In meinem Fall war es ein Diabelli-Walzer aus dem frühen 19. Ein einfaches Stück, aber nur auf den ersten Blick. Nach einer Nacht des Arrangierens lief ich mit einem Diktiergerät durch das Konservatorium und bat meine Studenten und Freunde, ihre Parts für mich aufzunehmen. Ein paar Tage später hatte ich die Zusage.

Und es wurde nicht einfacher?

Ja, das Arbeitspensum war sehr hoch, sechs oder sieben Stunden Proben am Tag. Es gab eine gewisse Müdigkeit, verbunden mit einem ständigen Gefühl des Unwohlseins. Wir hatten alle zwei Wochen einen neuen Lehrer, und jeder Coach war eine neue Welt mit neuen Regeln. Jeder von uns ist an bestimmte Standards musikalischer Professionalität gewöhnt - zum Beispiel, dass ein Orchestertrompeter seinen eigenen Part, seine eigene Form, seine eigenen Anschläge haben muss, und das sind seine Anweisungen, nach denen er arbeitet. In unserem Fall gab es keine Anweisungen oder Schemata. Es kam oft vor, dass uns die Stücke, die wir spielten, vorgesungen wurden, und das war's - jetzt schreib es auf, mach ein Arrangement! Und man arrangiert seinen Teil, hört sich an, was die Leute um einen herum spielen, und vereinbart nur mündlich, was man wo spielen will. Am Ende wurde alles während des Spiels geklärt, was aufregend und nervenaufreibend zugleich war. Manchmal hatte man das Gefühl, verrückt zu werden, denn es gab sehr schwierige Wochen mit unglaublich vielen Aufgaben, die nicht immer den eigenen Vorstellungen entsprachen. Man wusste wirklich nicht, was man von den Coaches erwarten konnte. Danach war klar, dass deine Vision nur deine Blase ist, aus der du mit deinem "richtigen" Blick auf etwas schaust, das auch seine eigene Wahrheit hat. Das lehrt einen, auf alles gefasst zu sein.

Gab es Mentoren, die dich mit ihrer Herangehensweise an Musik besonders beeindruckt haben?

Jeder, mit dem wir gearbeitet haben, war auf seine Art einzigartig. Am Anfang hatten wir zum Beispiel einen Schweizer Pianisten, Malcolm Braff, der im Senegal aufgewachsen ist. Er hatte sein eigenes rhythmisches Konzept, das mich völlig verwirrt hat. Malcolm hat mir erklärt, wie man nicht nur mit acht Tönen swingt, sondern mit ganzen Tonkombinationen. Die Hauptaufgabe war der fließende Übergang von geraden Noten zu swingenden Noten, die wiederum in einen neuen Takt übergingen, der ebenfalls geswingt werden sollte. Es ist schwer zu beschreiben, aber das Konzept ist sehr tiefgründig und jeder erinnert sich noch an die schwierige Woche mit Malcolm, der einen nervösen Tick hatte (lacht).

Auch Jen Shu hat mit uns zusammengearbeitet. Sie spricht zehn Sprachen und spielt fast alle asiatischen Volksinstrumente. Ihr Konzept basiert auch auf Rhythmus - es gibt zum Beispiel 15/8- oder 13/8-Takte, in denen die Noten in Zweier- und Dreiergruppen eingeteilt sind, und diese Gruppen verschieben sich ständig. Manchmal basiert die Melodie auf denselben Gruppen, die sich in die entgegengesetzte Richtung bewegen.
Und während man so herumlief, konnte man sich die Phrasen der anderen anhören, sie auswendig lernen und mitsingen. Dann stellten sich alle in einem Kreis auf - eine Person ging hinaus und machte eine Theaterszene mit dem letzten Satz, den sie gehört hatte, und lud dann jemanden ein, mitzumachen. Für Jen war es unglaublich natürlich und einfach. Ich war wirklich beeindruckt, wie ein Musiker all die Bilder und Emotionen, die wir versuchen, in trockene Noten zu packen, materialisieren und ihnen eine eigene Dimension geben kann.

Ich kann Sie sehr gut verstehen. Schließlich erinnere ich mich an ähnliche Gewissensbisse und Gefühle, wenn ich zu einer Jam oder einem Konzert komme und einen hochkarätigen Musiker sehe. Unbewusst beginnt man zu vergleichen und denkt, dass man im Vergleich zu ihnen nichts ist. In solchen Momenten erinnerte ich mich an einen Satz von Ambrose, der sich in mein Gedächtnis eingebrannt hat: "Play what you live". Es ist sehr schwierig, weil man ständig einen Lügendetektor einschalten muss, um zu sehen, ob man auf dem richtigen Weg ist. Aber wenn es ein bisschen besser läuft, ist es egal - der Musiker, den du für "besser" hältst, wird nie so spielen wie du und umgekehrt. Jeder lebt sein eigenes, einzigartiges Leben.

Das ist genau richtig. Das ist ein sehr guter Punkt! Es ist derselbe Gedanke, mit dem ich mich lange Zeit auseinandergesetzt und gekämpft habe. Übrigens hat Tina Margareta Nielsen, eine Musiktherapeutin, mit uns gearbeitet. Sie arbeitet mit diesen inneren Blockaden, auch körperlichen. Ich balancierte damals zwischen zwei ungesunden Positionen. Einerseits wollte ich in meiner Musik nichts Persönliches erzählen, weil ich dachte, dass niemand meine persönlichen Geschichten braucht, und andererseits wollte ich nicht über globale Weltprobleme sprechen, denn wer bin ich schon, dass ich darüber rede? Ich weiß nichts über die globale Erwärmung (lächelt). Ich schwankte also zwischen diesen beiden Gedanken hin und her, bis mir gesagt wurde, dass ich über nichts Wichtigeres und Globaleres schreiben könnte als über meine eigenen Erfahrungen. Die eigene Erfahrung! Das mag unbedeutend und nutzlos erscheinen, aber in Wirklichkeit ist es, wie Sie sagen, das Beste, was man in seiner Arbeit tun kann. Es wird interessant sein, und es spielt keine Rolle, ob es die Geschichte von Salvador Dali ist oder die eines Trompetenlehrers an einer Musikakademie in Dnipro.

Was ist die größte Veränderung in Ihrem Leben in den letzten zwei Jahren? Wie würden Sie sich selbst vor der großen Invasion und jetzt vergleichen?

Ich denke, wie die meisten Musiker in dieser Zeit habe ich eine große Metamorphose durchgemacht. Am Anfang verloren viele Dinge, die ich tat und die mir wichtig waren, buchstäblich ihre Bedeutung. In den ersten Monaten habe ich kaum ein Instrument in die Hand genommen, weil mir die Musik völlig unwichtig erschien, denn vorher waren wir alle auf der Suche nach Ästhetik, die sich letztlich als unwichtig herausstellte. So habe ich lange nicht zur Musik und zu meinem Instrument zurückgefunden.
Ich hatte mehr Glück. Ich kenne Musiker, die ganz aufgehört haben, Musik zu hören, aber für mich war die Musik ein Ventil und hat mir geholfen, die Situation psychisch zu verarbeiten. Dann fingen wir [die Musiker] an, Benefizkonzerte zu spielen, und plötzlich bekam die Musik eine neue Bedeutung. Es war wirklich egal, was man spielte oder wie man es spielte, solange man half und Geld sammelte, und es schien, dass alle Vertreter unserer ukrainischen Jazzgemeinschaft sich freiwillig engagierten. Dennis Adu, Usain Bekirov, David Kolpakov, eine ganze Gruppe von Musikern aus Lviv und ich arbeiteten im Lagerhaus und luden die Hilfsgüter ein und aus. Und diese ganze Gemeinschaft kam in einem völlig anderen Kontext zusammen, aber diese Fähigkeit zur Selbstorganisation war auf einem so hohen Niveau, dass uns sogar feste Stellen in diesem Lagerhaus angeboten wurden (lacht). Es stellte sich heraus, dass Jazzmusiker sehr gut im Palettieren sind, im schnellen Ein- und Auspacken von Lastwagen.

Y.C.: Als sein Bruder anrief, sagte er dasselbe: "Mykola ist gestorben, damit du Musik machen kannst. Da wurde mir klar, dass ich kein Recht hatte, mit dem Spielen aufzuhören.

Ich glaube, der größte Wendepunkt für mich war der Tod meines Cousins Mykola Tsvetinskyi, der seit 2014 an der Front war. Im Mai 2022 wurde er in der Nähe von Vuhledar getötet, fast das ganze Team wurde getötet, und das war ein Schock für mich, den ich immer noch nicht ganz verarbeitet habe. Als mich sein Bruder anrief und mir die Nachricht überbrachte, sagte er dasselbe: "Mykola ist gestorben, damit du Musik machen kannst". In diesem Moment wurde mir klar, dass ich nicht aufhören durfte zu spielen. Das hat mir gezeigt, was Musik überhaupt für mich sein sollte - sie sollte eine tiefere Bedeutung haben.

Ein weiteres schreckliches Ereignis, das vieles beeinflusst hat, war der Tod von Sergei Artemov. Er war ein enger Freund von mir, wir kannten uns seit dem College in Dnipro und haben viel zusammen erlebt. Und er zeichnete sich durch seine Klarheit in der Musik aus - er hatte immer klare Richtlinien, was Musik sein sollte. Als die große Invasion begann, ging er freiwillig an die Front. Ich versuchte, ihn in ein Militärorchester zu versetzen, um ihn von den Kämpfen fernzuhalten, aber er weigerte sich. Er sagte, er tue "seine Pflicht und werde sie bis zum Ende erfüllen - Russen töten und dann Bassgitarre spielen".

Wenn wir also über das Leben davor und danach sprechen, ist das erste, was wir verloren haben, die Nachlässigkeit. Früher war Musik viel mehr Unterhaltung als der Versuch, etwas Wichtiges zu sagen. Jetzt hat jeder ukrainische Musiker die Aufgabe zu zeigen, was in der Ukraine passiert und wer die Ukrainer sind. Das ist ein sehr schwieriger Prozess, aber ich glaube, dass unsere Musik allein durch diesen Ansporn viel besser wird.

Wie oft sprechen die Musiker um Sie herum über Krieg und Verlust? Teilen sie ihre Gefühle oder behalten sie sie lieber für sich?

Natürlich wird heute darüber gesprochen, auf jeden Fall mehr als früher. Es ist klar, dass es schrecklich ist, wenn Menschen so viele Tragödien miterleben müssen. Eine Rakete fliegt und man merkt, dass sie nicht auf einen selbst zufliegt, vielleicht kennt man die Menschen nicht, die in dem Gebäude [in dem die Rakete eingeschlagen ist] leben... Aber es ist ein gemeinsamer Schmerz auf einer sehr tiefen Ebene.
Ich habe Musiker gesehen, die einfach aufgegeben haben. Sie sehen keinen Sinn mehr, sie sehen keine Zukunft, auch wenn sie verstehen, dass die Ukraine frei und fortschrittlich sein wird. Und alle würden gerne zu ihrem alten, sorglosen Leben zurückkehren, aber das wird nie passieren.
Einige Musiker sehen die Dinge eher praktisch. Sie denken: "Nun, man muss mit der Musik Geld verdienen, um den Menschen zu helfen", und auch weniger bekannte Musiker gehen auf Tourneen, die viel Geld einbringen können, und fühlen sich gebraucht. Was mir hilft, diesen Druck zu mindern, ist ehrenamtliche Arbeit und das Sammeln von Spenden für bestimmte Zwecke. Wie Wayne Shorter sagte: "Menschlichkeit ist dein Werkzeug", und das zu erkennen, hilft. Egal was du tust, egal welche Symphonien oder Alben du schreibst, du bist immer noch ein Mensch und diese menschlichen Faktoren werden dich immer unter Druck setzen. Ich glaube, wenn man das akzeptiert, wird der ganze Prozess für Musiker viel einfacher. Jeder sieht die gemeinsame Aufgabe anders, aber wir bewegen uns in die gleiche Richtung, und das ist beruhigend.

Sehen Sie eine Möglichkeit, entmutigte Musiker wieder auf den Weg zu bringen?

Ja, ich glaube, sie brauchen einfach das Gefühl, gebraucht zu werden. Jede Erinnerung daran ist wichtig. Es gab zum Beispiel ein Bigband-Konzert in der Dnipro Philharmonie, in der ich gespielt habe und die von Danylo Vynarykov geleitet wurde. Es war eine sehr gute Big Band, aber ich hatte das Gefühl, dass es nur Unterhaltung war, völlig aus der Zeit gefallen - wir spielten Swing, lustige Lieder, alle lachten.
Und dann hörte ich eine Geschichte: Der Vater einer Zuhörerin war auf Urlaub, kam von der Armee zurück und konnte einfach nicht lächeln wegen der Last dessen, was er gesehen hatte. Und in diesem Konzert sah sie ihn zum ersten Mal lächeln! Da versteht man, dass es diese [Konzerte] geben muss. Die Leute müssen wirklich den Krieg für eine kleine Sekunde vergessen, um die ganze Anspannung loszuwerden. Dann kann man mit mehr Energie und geistiger Gesundheit in die Realität zurückkehren. Jeder Musiker braucht das.

Gibt es Pläne für die nahe Zukunft?

Ich befinde mich gerade in einer sehr interessanten Situation. Ich bin am Herbie Hancock Institute angenommen worden und kümmere mich jetzt um den Papierkram, damit ich dort legal studieren kann. Ich habe nur noch sehr wenig Zeit dafür und mache mir deshalb Sorgen, weil die Bürokratie immer sehr langsam ist.
Es ist so, als würde ich einen Master machen, aber in Wirklichkeit ist es eher ein Aufenthalt - sie stellen einfach ein Ensemble zusammen und spielen zwei Jahre lang. Ambrose [Akinmusiri - Anm. d. Red.] ist der künstlerische Leiter und wird die meisten Kurse leiten. Wir planen ein Konzert in New York, dann Jordanien - wir werden Kinder unterrichten und Konzerte spielen, dann ein Konzert mit Dee Dee Bridgewater und Unterricht in Saudi-Arabien. Es werden also zwei interessante und intensive Jahre.

Text: Kateryna Ziabliuk, Magazin Meloport
Übersetzung: jazz-fun.de
Foto: Tatyana Shlapak

Yakiv Tsvetinskyi Internetseite:
http://www.yakivtsvietinskyi.com/

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